Materi BAB 1
- PENGERTIAN DAN DEFINISI SENI
Mengapresiasi artinya berusaha mengerti tentang seni dan menjadi peka
terhadap segi-segi di dalamnya, sehinga secara sadar mampu menikmati
dan menilai karya dengan semestinya.
Seni adalah salah satu unsur kebudayaan yang tumbuh dan berkembang
sejajar dengan perkembangan manusia selaku penggubah dan penikmat seni.
Kebudayaan adalah hasil pemikiran, karya dan segala aktivitas (bukan perbuatan), yang merefleksikan naluri secara murni.
Seni memiliki nilai estetis (indah) yang disukai oleh manusia dan
mengandung ide-ide yang dinyatakan dalam bentuk aktivitas atau rupa
sebagai lambang.
Dengan seni kita dapat memperoleh kenikmatan sebagai akibat dari
refleksi perasaan terhadap stimulus yang kita terima. Kenikmatan seni
bukanlah kenikmatan fisik lahiriah, melainkan kenikmatan batiniah yang
muncul bila kita menangkap dan merasakan simbol-simbol estetika dari
penggubah seni. Dalam hal ini seni memiliki nilai spiritual.
Kedalaman dan kompleksitas seni menyebabkan para ahli membuat
definisi seni untuk mempermudah pendekatan kita dalam memahami dan
menilai seni. Konsep yang muncul bervariasi sesuai dengan latar belakang
pemahaman, penghayatan, dan pandangan ahli tersebut terhadap seni.
Beberapa definisi tersebut antara lain :
- Ensiklopedia Indonesia
Seni adalah penciptaan benda atau segala hal yang karena keindahan bentuknya, orang senang melihat atau mendengar.
- Ki Hajar Dewantara
Seni merupakan perbuatan manusia (penggubah) yang timbul dari
perasaannya dan bersifat indah, sehingga dapat menggerakkan jiwa dan
perasaan manusia (penerima).
- Achdiat Kartamihardja
Seni adalah kegiatan rohani manusia yang merefleksikan realitas ke
dalam suatu karya. Bentuk dan isinya mempunyai daya untuk membangkitkan
pengalaman tertentu dalam batin penerimanya.
- Aristoteles
Seni adalah peniruan bentuk alam dengan kreatifitas dan ide penggubahnya agar lebih indah.
- Leo Tolstoy
Seni adalah suatu kegiatan manusia (penggubah) yang secara sadar
dengan perantara tanda-tanda lahiriah tertentu menyampaikan
perasaan-perasaan yang telah dihayatinya kepada orang lain (penerima)
sehingga ikut merasakan perasaan-perasaan seperti yang ia (penggubah)
alami.
- Schopenhauer
Seni adalah suatu usaha untuk menciptakan bentuk-bentuk yang
menyenangkan. Meskipun musik adalah seni yang paling abstrak, tapi tiap
orang menyukainya.
- Thomas Munro
Seni adalah alat buatan manusia (penggubah) untuk menimbulkan
efek-efek psikologis atas manusia lain (penerima) yang melihatnya.
Efek-efek tersebut mencakup segala tanggapan yang berwujud pengamatan,
pengenalan, imajinasi yang rasional maupun yang emosional.
- CABANG-CABANG SENI
Berdasarkan realita yang berkembang di masyarakat, seni digolongkan menjadi 5 cabang yang memiliki kesatuan dan keterkaitan.
- Cabang seni rupa bentuk medianya benda.
- Cabang seni sastra bentuk medianya tulisan
- Cabang seni musik bentuk medianya suara, benda, manusia dan gerak proses
- Cabang seni tari bentuk medianya tubuh manusia, gerak dan musik
- Cabang seni teater bentuk medianya manusia, benda/alam, akting, adegan, suara atau musik
- SENI SEBAGAI ESTETIKA
Estetika berada di luar lingkup logika ataupun etika. Definisi
menurut para ahli sebagai langkah pendekatan memahaminya antara lain
sebagai berikut.
- Al Ghazali
Keindahan suatu benda terletak pada perwujudan dari kesempurnaan
karakteristik benda itu dan ditambah dengan adanya jiwa atau roh di
dalamnya.
- Alexander Baumgarten
Keindahan itu dipandang sebagai kesatuan yang merupakan susunan yang
teratur dari bagian-bagian yang mempunyai hubungan erat satu dengan yang
lain secara keseluruhan.
- Herbert Read
Keindahan adalah suatu kesatuan hubungan formal dari pengamatan yang menimbulkan rasa senang.
- Immanuel kant
Keindahan ditinjau dari dua sisi, yaitu:
Objektif : Keindahan adalah keserasian suatu objek terhadap
tujuan yang dikandungnya, sejauh objek tersebut tidak ditinjau dari segi
fungsi.
Subjektif : Keindahan adalah sesuatu yang tanpa direnungkan
dengan logika dan konsep dan tanpa disangkutpautkan dengan kegunaan
praktis dapat mendatangkan rasa senang pada si penghayat.
- Zulser
Keindahan adalah sesuatu yang baik dan dapat memupuk rasa moral.
- Thomas Aquines
Keindahan akan terbentuk jika memenuhi 3 syarat, yaitu adanya :
- Integritas (kesatuan) atau kesempurnaan,
- Proporsi yang tepat dan harmonis.
- Klaritas (kejelasan).
Penganut teori objektif menempatkan rasa estetis lebih utama sehingga
memliki konsep, pola pikir, atau alasan logis mengapa sesuatu itu
dikatakan indah. Penganut teori subjektif meletakkan keindahan secara
pribadi dalam diri si penikmat karya seni sehinga tidak dapat memberi
alasan mengapa sesuatu itu dikatakan indah.
Keindahan seni adalah keindahan ekspresi, kreasi seniman. Jadi, pemandangan alam bukan keindahan seni
- SENI SEBAGAI KREATIVITAS
Manusia memiliki kelebihan berupa akal pikiran, kalbu, emosi, nafsu,
dan kemampuan membuat sesuatu. Usaha menggunakan akal pikiran untuk
membuat sesuatu (kreasi) yang baru, baik, nyata atau abstrak disebut
kreativitas. Proses kreasi seni mempunyai ciri khusus antara lain
seperti dibawah ini.
- Unik
Unik artinya sesuatu yang lain dari pada yang lain, yang belum pernah
dibuat orang sebelumnya, baik dalam hal ide, teknik, dan media.
Alangkah baiknya jika karya senimu adalah hasil kreasimu sendiri, bukan
mencontoh dari yang sudah ada. Karya lain dapat digunakan sebagai pemicu
munculnya gagasan. Kembangkanlah gagasan tersebut menjadi sesuatu yang
unik dan baru. Dengan demikian, kreativitasmu akan terasah.
- Individual (pribadi)
Artinya memiliki kekhususan ciri dari seniman pembuatnya, yang
berbeda dengan seniman lain karena perbedaan pandangan, penghayatan,
pengalaman, dan tehnik dalam membuat karya seni. Bandingkanlah karyamu
dengan karya temanmu. Objek yang dipakai sebagai pemicu gagasan seni
bisa jadi sama. Tapi karena pandangan, penghayatan, pengalaman, dan
teknik yang berbeda, hasilnya tentu akan berbeda.
- Ekspresif
Karya seni merupakan hasil curahan bathin berupa penjabaran dari ide,
renungan, perasaan, atau pengalaman seniman. Seni yang tanpa curahan
bathin seolah-olah kering dan tak dapat menyentuh perasaan yang
menikmatinya.
- Universal
Karya seni dapat dinikmati oleh semua lapisan masyarakat, bangsa, dan
generasi karena adanya persamaan rasa estetik dan artistik.
- Survival (tahan lama)
Nilai seni dalam suatu karya seni dapat dinikmati sepanjang masa
karena nilai estetikanya bersifat konsisten. Contohnya, karya seni
peninggalan zaman kuno, masih bisa kita nikmati sekarang.
- FUNGSI DAN TUJUAN SENI
Menurut antropologi, kesenian adalah salah satu unsur budaya manusia.
Kita dapat merasakan dalam pengalaman hidup sehari-hari, betapa kita
sangat membutuhkan sarana berekspresi dan menikmati keindahan dalam
berbagai bentuk.
Berdasarkan fungsinya sebagai pemenuh kebutuhan, seni dipilah menjadi beberapa kelompok.
- Fungsi Individual
Manusia terdiri dari unsur fisik dan psikis. Salah satu unsur psikis
adalah emosi. Maka fungsi individual ini dibagi menjadi fungsi pemenuhan
kebutuhan seni secara fisik dan psikis / emosional.
- Fisik
Fungsi ini banyak dipenuhi melalui seni pakai yang berhubungan dengan
fisik. Seperti busana, perabot, rumah, musik senam, dan sebagainya.
- Emosional
Dipenuhi melalui seni murni, baik dari segi si pembuat / penggubah,
maupun konsumen penikmat. Contohnya, lukisan, novel, musik, tari, film,
dan sebagainya.
- Fungsi Sosial
Fungsi sosial artinya dapat dinikmati dan bermanfaat bagi kepentingan
orang banyak dalam waktu relatif bersamaan. Fungsi ini dikelompokkan
menjadi beberapa bidang.
- Religi / keagamaan
Karya seni dapat dijadikan ciri atau pesan keagamaan. Contoh:
kaligrafi, busana muslim, arsitektur atau dekorasi rumah ibadah,
lagu-lagu rohani.
- Rekreasi/hiburan
Seni dapat dijadikan sebagai sarana melepas kejenuhan atau mengurangi
kesedihan. Hal itu dapat terjadi misalkan pada saat kita menyaksikan
musik, tarian,
film, dan lawak.
- Komunikasi
Seni dapat digunakan untuk mengkomunikasikan sesuatu, seperti pesan,
kritik, kebijakan, gagasan, dan produk kepada orang banyak. Contoh: lagu
balada, poster, drama komedi, dan reklame. Tema yang sering dibuat
antara lain:
- Ketidakdisiplinan anggota masyarakat terhadap lingkungan.
- Himbauan melaksanakan program pemerintah.
- Anjuran kesehatan / kesejahteraan.
- Ketidakadilan suatu kebijakan.
- Pendidikan
Pendidikan juga memanfaatkan seni sebagai sarana penunjangnya.
Contoh: gambar ilustrasi buku pelajaran, film ilmiah atau dokumenter,
poster ilmiah, lagu anak-anak dan foto.
Materi BAB 2
- PENGERTIAN TEATER MODERN
Teater berasal dari kata Yunani, “
theatron” (bahasa Inggris,
Seeing Place)
yang artinya tempat atau gedung pertunjukan. Dalam perkembangannya,
dalam pengertian lebih luas kata teater diartikan sebagai segala hal
yang dipertunjukkan di depan orang banyak. Dengan demikian, dalam
rumusan sederhana teater adalah pertunjukan, misalnya ketoprak, ludruk,
wayang, wayang wong, sintren, janger, mamanda, dagelan, sulap, akrobat,
dan lain sebagainya (Harrymawan, 1993). Namun demikian, teater selalu
dikaitkan dengan kata drama yang berasal dari kata Yunani Kuno “
draomai” yang berarti bertindak atau berbuat dan “
drame”
yang berasal dari kata Perancis yang diambil oleh Diderot dan
Beaumarchaid untuk menjelaskan lakon-lakon mereka tentang kehidupan
kelas menengah. Dalam istilah yang lebih ketat berarti lakon serius yang
menggarap satu masalah yang punya arti penting tapi tidak bertujuan
mengagungkan tragika. Kata “drama” juga dianggap telah ada sejak era
Mesir Kuno (4000-1580 SM), sebelum era Yunani Kuno (800-277 SM).
Hubungan kata “teater” dan “drama” bersandingan sedemikian erat seiring
dengan perlakuan terhadap teater yang mempergunakan drama lebih identik
sebagai teks atau naskah atau lakon atau karya sastra (Bakdi Soemanto,
2001).
Dari penjelasan di atas dapat disimpulkan bahwa istilah “teater”
berkaitan langsung dengan pertunjukan, sedangkan “drama” berkaitan
dengan lakon atau naskah cerita yang akan dipentaskan. Jadi, teater
adalah visualisasi dari drama atau drama yang dipentaskan di atas
panggung dan disaksikan oleh penonton. Jika “drama” adalah lakon dan
“teater” adalah pertunjukan maka “drama” merupakan bagian atau salah
satu unsur dari “teater”. Jika digambarkan maka peta kedudukan teater
dan drama adalah sebagai berikut.
Dengan kata lain, secara khusus teater mengacu kepada aktivitas melakukan kegiatan dalam seni pertunjukan (
to act) sehingga tindak- tanduk pemain di atas pentas disebut
acting. Istilah
acting diambil dari kata Yunani “dran” yang berarti,
berbuat, berlaku, atau
beraksi. Karena aktivitas beraksi ini maka para pemain pria dalam teater disebut
actor dan pemain wanita disebut
actress (Harymawan, 1993).
Meskipun istilah teater sekarang lebih umum digunakan tetapi sebelum
itu istilah drama lebih populer sehingga pertunjukan teater di atas
panggung disebut sebagai pentas drama. Hal ini menandakan digunakannya
naskah lakon yang biasa disebut sebagai karya sastra drama dalam
pertujukan teater. Di Indonesia, pada tahun 1920-an, belum muncul
istilah teater
. Yang ada adalah
sandiwara atau
tonil (dari bahasa Belanda:
Het Toneel).
Rombongan teater pada masa itu menggunakan nama Sandiwara, sedangkan
cerita yang disajikan dinamakan drama. Sampai pada Zaman Jepang dan
permulaan Zaman Kemerdekaan, istilah sandiwara masih sangat populer.
Istilah teater bagi masyarakat Indonesia baru dikenal setelah Zaman
Kemerdekaan (Kasim Achmad, 2006). Istilah
Sandiwara konon dikemukakan oleh Sri Paduka Mangkunegoro VII dari Surakarta. Kata sandiwara berasal dari bahasa Jawa “
sandi” berarti
“rahasia”, dan “
wara” atau “
warah” yang berarti,
“pengajaran”. Menurut Ki Hajar Dewantara
“sandiwara” berarti
“pengajaran yang dilakukan dengan perlambang” (Harymawan, 1993).
- Asal Mula Teater
Waktu dan tempat pertunjukan teater yang pertama kali dimulai tidak
diketahui. Adapun yang dapat diketahui hanyalah teori tentang asal
mulanya. Di antaranya teori tentang asal mula teater adalah sebagai
berikut.
- Berasal dari upacara agama primitif. Unsur cerita ditambahkan pada
upacara semacam itu yang akhirnya berkembang menjadi pertunjukan teater.
Meskipun upacara agama telah lama ditinggalkan, tapi teater ini hidup
terus hingga sekarang.
- Berasal dari nyanyian untuk menghormati seorang pahlawan di
kuburannya. Dalam acara ini seseorang mengisahkan riwayat hidup sang
pahlawan yang lama kelamaan diperagakan dalam bentuk teater.
- Berasal dari kegemaran manusia mendengarkan cerita. Cerita itu kemudian juga dibuat dalam bentuk teater (kisah perburuan, kepahlawanan, perang, dan lain sebagainya).
Rendra dalam
Seni Drama Untuk Remaja (1993), menyebutkan bahwa naskah teater tertua di dunia yang pernah ditemukan ditulis seorang pendeta Mesir,
I Kher-nefert,
di zaman peradaban Mesir Kuno kira-kira 2000 tahun sebelum tarikh
Masehi. Pada zaman itu peradaban Mesir Kuno sudah maju. Mereka sudah
bisa membuat piramida, sudah mengerti irigasi, sudah bisa membuat
kalender, sudah mengenal ilmu bedah, dan juga sudah mengenal tulis
menulis.
I Kher-nefert menulis naskah tersebut untuk sebuah pertunjukan teater ritual di kota Abydos, sehingga terkenal sebagai
Naskah Abydos
yang menceritakan pertarungan antara dewa buruk dan dewa baik. Jalan
cerita naskah Abydos juga diketemukan tergambar dalam relief kuburan
yang lebih tua. Para ahli bisa memperkirakan bahwa jalan cerita itu
sudah ada dan dimainkan orang sejak tahun 5000 SM. Meskipun baru muncul
sebagai naskah tertulis di tahun 2000 SM. Dari hasil penelitian yang
dilakukan diketahui juga bahwa pertunjukan teater
Abydos
terdapat unsur-unsur teater yang meliputi pemain, jalan cerita, naskah
dialog, topeng, tata busana, musik, nyanyian, tarian, selain itu juga
properti pemain seperti tombak, kapak, tameng, dan sejenisnya.
- Teater Modern
- Teater Transisi
Teater transisi adalah penamaan atas kelompok teater pada periode
saat teater tradisional mulai mengalami perubahan karena pengaruh budaya
lain. Kelompok teater yang masih tergolong kelompok teater tradisional
dengan model garapan memasukkan unsur-unsur teknik teater Barat,
dinamakan teater bangsawan. Perubahan tersebut terletak pada cerita yang
sudah mulai ditulis, meskipun masih dalam wujud cerita ringkas atau
outline story
(garis besar cerita per adegan). Cara penyajian cerita dengan
menggunakan panggung dan dekorasi. Mulai memperhitungkan teknik yang
mendukung pertunjukan.
Pada periode transisi inilah teater tradisional berkenalan dengan
teater non-tradisi. Selain pengaruh dari teater bangsawan, teater
tradisional berkenalan juga dengan teater Barat yang dipentaskan oleh
orang-orang Belanda di Indonesia sekitar tahun 1805 yang kemudian
berkembang hingga di Betawi (Batavia) dan mengawali berdirinya gedung
Schouwburg pada tahun 1821 (Sekarang Gedung Kesenian Jakarta).
Perkenalan masyarakat Indonesia pada teater non-tradisi dimulai sejak
Agust Mahieu mendirikan Komedie Stamboel di Surabaya pada tahun 1891,
yang pementasannya secara teknik telah banyak mengikuti budaya dan
teater Barat (Eropa), yang pada saat itu masih belum menggunakan naskah
drama/lakon. Dilihat dari segi sastra, mulai mengenal sastra lakon
dengan diperkenalkannya lakon yang pertama yang ditulis oleh orang
Belanda F.Wiggers yang berjudul
Lelakon Raden Beij Soerio Retno, pada tahun 1901. Kemudian disusul oleh Lauw Giok Lan lewat
Karina Adinda, Lelakon Komedia Hindia Timoer (1913), dan lain-lainnya, yang menggunakan bahasa Melayu Rendah.
Setelah Komedie Stamboel didirikan muncul kelompok sandiwara seperti Sandiwara Dardanella
(The Malay Opera Dardanella)
yang didirikan Willy Klimanoff alias A. Pedro pada tanggal 21 Juni
1926. Kemudian lahirlah kelompok sandiwara lain, seperti Opera Stambul,
Komidi Bangsawan, Indra Bangsawan, Sandiwara Orion, Opera Abdoel
Moeloek, Sandiwara Tjahaja Timoer
, dan lain sebagainya. Pada masa teater transisi belum muncul istilah teater
. Yang
ada adalah sandiwara. Karenanya rombongan teater pada masa itu
menggunakan nama sandiwara, sedangkan cerita yang disajikan dinamakan
drama. Sampai pada Zaman Jepang dan permulaan Zaman Kemerdekaan, istilah
sandiwara masih sangat populer. Istilah teater bagi masyarakat
Indonesia baru dikenal setelah Zaman Kemerdekaan.
- Teater Indonesia tahun 1920-an
Teater pada masa kesusasteraaan angkatan Pujangga Baru kurang berarti
jika dilihat dari konteks sejarah teater modern Indonesia tetapi cukup
penting dilihat dari sudut kesusastraan. Naskah-naskah drama tersebut
belum mencapai bentuk sebagai drama karena masih menekankan unsur sastra
dan sulit untuk dipentaskan. Drama-drama Pujangga Baru ditulis sebagai
ungkapan ketertekanan kaum intelektual dimasa itu karena penindasan
pemerintahan Belanda yang amat keras terhadap kaum pergerakan sekitar
tahun 1930-an. Bentuk sastra drama yang pertamakali menggunakan bahasa
Indonesia dan disusun dengan model dialog antar tokoh dan berbentuk
sajak adalah
Bebasari (artinya kebebasan yang sesungguhnya atau inti kebebasan) karya Rustam Efendi (1926). Lakon
Bebasari merupakan
sastra drama yang menjadi pelopor semangat kebangsaan. Lakon ini
menceritakan perjuangan tokoh utama Bujangga, yang membebaskan puteri
Bebasari dari niat jahat Rahwana. Penulis lakon lainnya, yaitu Sanusi
Pane menulis
Kertajaya (1932) dan
Sandyakalaning Majapahit (1933) Muhammad Yamin menulis
Ken Arok dan Ken Dedes (1934). Armiijn Pane mengolah roman
Swasta Setahun di Bedahulu karangan I Gusti Nyoman Panji Tisna menjadi naskah drama. Nur Sutan Iskandar menyadur karangan Molliere, dengan judul
Si Bachil. Imam Supardi menulis drama dengan judul
Keris Mpu Gandring. Dr. Satiman Wirjosandjojo menulis drama berjudul
Nyai Blorong. Mr. Singgih menulis drama berjudul
Hantu.
Lakon-lakon ini ditulis berdasarkan tema kebangsaan, persoalan, dan
harapan serta misi mewujudkan Indonesia sebagai negara merdeka.
Penulis-penulis ini adalah cendekiawan Indonesia, menulis dengan
menggunakan bahasa Indonesia dan berjuang untuk kemerdekaan Indonesia.
Bahkan Presiden pertama Indonesia, Ir Soekarno, pada tahun 1927 menulis
dan menyutradarai teater di Bengkulu (saat di pengasingan). Beberapa
lakon yang ditulisnya antara lain,
Rainbow, Krukut Bikutbi, dan
Dr. Setan.
- Teater Indonesia tahun 1940-an
Semua unsur kesenian dan kebudayaan pada
kurun waktu penjajahan Jepang dikonsentrasikan untuk mendukung
pemerintahan totaliter Jepang. Segala daya kreasi seni secara sistematis
di arahkan untuk menyukseskan pemerintahan totaliter Jepang. Namun
demikian, dalam situasi yang sulit dan gawat serupa itu, dua orang
tokoh, yaitu Anjar Asmara dan Kamajaya masih sempat berpikir bahwa perlu
didirikan Pusat Kesenian Indonesia yang bertujuan menciptakan
pembaharuan kesenian yang selaras dengan perkembangan zaman sebagai
upaya untuk melahirkan kreasi – kreasi baru dalam wujud kesenian
nasional Indonesia. Maka pada tanggal 6 oktober 1942, di rumah Bung
Karno dibentuklah Badan Pusat Kesenian Indonesia dengan pengurus sebagai
berikut, Sanusi Pane (Ketua), Mr. Sumanang (Sekretaris), dan sebagai
anggota antara lain, Armijn Pane, Sutan Takdir Alisjabana, dan Kama
Jaya. Badan Pusat Kesenian Indonesia bermaksud menciptakan kesenian
Indonesia baru, di antaranya dengan jalan memperbaiki dan menyesuaikan
kesenian daerah menuju kesenian Indonesia baru. Langkah-langkah yang
telah diambil oleh Badan Pusat Kesenian Indonesia untuk mewujudkan
cita-cita kemajuan kesenian Indonesia, ternyata mengalami hambatan yang
datangnya dari barisan propaganda Jepang, yaitu
Sendenbu yang membentuk badan perfilman dengan nama
Djawa Eiga Kosy’, yang dipimpin oleh orang Jepang S. Oya. Intensitas kerja
Djawa Eiga Kosya
yang ingin menghambat langkah Badan Pusat Kesenian Indonesia nampak
ketika mereka membuka sekolah tonil dan drama Putra Asia, Ratu Asia,
Pendekar Asia
, yang kesemuanya merupakan corong propaganda Jepang.
Dalam masa pendudukan Jepang kelompok rombongan sandiwara yang
mula-mula berkembang adalah rombongan sandiwara profesional. Dalam kurun
waktu ini semua bentuk seni hiburan yang berbau Belanda lenyap karena
pemerintah penjajahan Jepang anti budaya Barat. Rombongan sandiwara
keliling komersial, seperti misalnya Bintang Surabaya, Dewi Mada, Mis
Ribut, Mis Tjitjih, Tjahaya Asia, Warna Sari, Mata Hari, Pancawarna, dan
lain-lain kembali berkembang dengan mementaskan cerita dalam bahasa
Indonesia, Jawa, maupun Sunda. Rombongan sandiwara Bintang Surabaya
tampil dengan aktor dan aktris kenamaan, antara lain Astaman, Tan Ceng
Bok (Si Item), Ali Yugo, Fifi Young, Dahlia, dan sebagainya. Pengarang
Nyoo Cheong Seng, yang dikenal dengan nama samarannya Mon Siour D’amour
ini dalam rombongan sandiwara Bintang Surabaya menulis lakon antara
lain,
Kris Bali, Bengawan Solo, Air Mata Ibu (sudah difilmkan),
Sija, R.A Murdiati, dan
Merah Delima.
Rombongan Sandiwara Bintang Surabaya menyuguhkan pementasan-pementasan
dramanya dengan cara lama seperti pada masa Dardanella, Komedi
Bangsawan, dan Bolero, yaitu di antara satu dan lain babak diselingi
oleh tarian-tarian, nyanyian, dan lawak. Secara istimewa selingannya
kemudian ditambah dengan mode show, dengan peragawati gadis-gadis Indo
Belanda yang cantik-cantik .
Menyusul kemudian muncul rombongan sandiwara Dewi Mada
, dengan
bintang-bintang eks Bolero, yaitu Dewi Mada dengan suaminya Ferry Kok,
yang sekaligus sebagai pemimpinnya. Rombongan sandiwara Dewi Mada lebih
mengutamakan tari-tarian dalam pementasan teater mereka karena Dewi Mada
adalah penari terkenal sejak masa rombongan sandiwara
Bolero. Cerita yang dipentaskan antara lain,
Ida Ayu, Ni Parini, dan
Rencong Aceh.
Hingga tahun 1943 rombongan sandiwara hanya dikelola pengusaha Cina
atau dibiayai Sendenbu karena bisnis pertunjukan itu masih asing bagi
para pengusaha Indonesia. Baru kemudian Muchsin sebagai pengusaha besar
tertarik dan membiayai rombongan sandiwara Warna Sari. Keistimewaan
rombongan sandiwara Warna Sari adalah penampilan musiknya yang mewah
yang dipimpin oleh Garsia, seorang keturunan Filipina, yang terkenal
sebagi Raja Drum. Garsia menempatkan deretan drumnya yang berbagai
ukuran itu memenuhi lebih dari separuh panggung. Ia menabuh drum-drum
tersebut sambil meloncat ke kanan – ke kiri sehingga menarik minat
penonton. cerita-cerita yang dipentaskan antara lain,
Panggilan Tanah Air, Bulan Punama, Kusumahadi, Kembang Kaca, Dewi Rani, dan lain sebagainya.
Rombongan sandiwara terkenal lainnya adalah rombongan sandiwara Sunda
Mis Tjitjih, yaitu rombongan sandiwara yang digemari rakyat jelata.
Dalam perjalanannya, rombongan sandiwara ini terpaksa berlindung di
bawah barisan propaganda Jepang dan berganti nama menjadi rombongan
sandiwara Tjahaya Asia yang mementaskan cerita-cerita baru untuk
kepentingan propaganda Jepang.
Anjar Asmara, Ratna Asmara, dan Kama Jaya pada tanggal 6 April 1943,
mendirikan rombongan sandiwara angkatan muda Matahari. Hanya kalangan
terpelajar yang menyukai pertunjukan Matahari yang menampilakan hiburan
berupa tari-tarian pada awal pertunjukan baru kemudian dihidangkan lakon
sandiwara dari awal hingga akhir. Bentuk penyajian semacam ini di
anggap kaku oleh penonton umum yang lebih suka unsur hiburan disajikan
sebagai selingan babak satu dengan babak lain sehingga akhirnya dengan
terpaksa rombongan sandiwara tersebut mengikuti selera penonton.
Lakon-lakon yang ditulis Anjar Asmara antara lain,
Musim Bunga di Slabintana, Nusa Penida, Pancaroba, Si Bongkok, Guna-guna, dan
Jauh di Mata. Kama Jaya menulis lakon antara lain,
Solo di Waktu Malam, Kupu-kupu, Sang Pek Engtay, Potong Padi. Dari semua lakon tersebut ada yang sudah di filmkan yaitu,
Solo di Waktu Malam dan
Nusa Penida.
Pertumbuhan sandiwara profesional tidak luput dari perhatian
Sendenbu. Jepang menugaskan Dr. Huyung (Hei Natsu Eitaroo), ahli seni
drama atas nama Sendenbu memprakarsai berdirinya POSD (Perserikatan
Oesaha Sandiwara Djawa) yang beranggotakan semua rombongan sandiwara
profesional. Sendenbu menyiapkan naskah lakon yang harus dimainkan oleh
setiap rombongan sandiwara karangan penulis lakon Indonesia dan Jepang,
Kotot Sukardi menulis lakon,
Amat Heiho, Pecah Sebagai Ratna, Bende Mataram, Benteng Ngawi. Hei Natsu Eitaroo menulis
Hantu, lakon
Nora karya Henrik Ibsen diterjemahkan dan judulnya diganti dengan
Jinak-jinak Merpati oleh Armijn Pane. Lakon
Ibu Prajurit
ditulis oleh Natsusaki Tani. Oleh karena ada sensor Sendenbu maka lakon
harus ditulis lengkap berikut dialognya. Para pemain tidak boleh
menambah atau melebih-lebihkan dari apa yang sudah ditulis dalam naskah.
Sensor Sendenbu malah menjadi titik awal dikenalkannya naskah dalam
setiap pementasan sandiwara.
Menjelang akhir pendudukan Jepang muncul rombongan sandiwara yang
melahirkan karya ssatra yang berarti, yaitu Penggemar Maya (1944)
pimpinan Usmar Ismail, dan D. Djajakusuma dengan dukungan Suryo Sumanto,
Rosihan Anwar, dan Abu Hanifah dengan para anggota cendekiawan muda,
nasionalis dan para profesional (dokter, apoteker, dan lain-lain).
Kelompok ini berprinsip menegakkan nasionalisme, humanisme dan agama.
Pada saat inilah pengembangan ke arah pencapaian teater nasional
dilakukan. Teater tidak hanya sebagai hiburan tetapi juga untuk ekspresi
kebudayaan berdasarkan kesadaran nasional dengan cita-cita menuju
humanisme dan religiositas dan memandang teater sebagai seni serius dan
ilmu pengetahuan. Bahwa teori teater perlu dipelajari secara serius.
Kelak, Penggemar Maya menjadi pemicu berdirinya Akademi Teater Nasional
Indonesia di Jakarta.
- Teater Indonesia Tahun 1950-an
Setelah perang kemerdekaan
, peluang terbuka bagi
seniman untuk merenungkan perjuangan dalam perang kemerdekaan, juga
sebaliknya, mereka merenungkan peristiwa perang kemerdekaan, kekecewaan,
penderitaan, keberanian dan nilai kemanusiaan, pengkhianatan,
kemunafikan, kepahlawanan dan tindakan pengecut, keiklasan sendiri dan
pengorbanan
, dan lain-lain. Peristiwa perang secara khas dilukiskan dalam lakon
Fajar Sidik (Emil Sanossa, 1955),
Kapten Syaf (Aoh Kartahadimaja, 1951),
Pertahanan Akhir (Sitor Situmorang, 1954),
Titik-titik Hitam (Nasyah Jamin
, 1956)
Sekelumit Nyanyian Sunda
(Nasyah Jamin, 1959). Sementara ada lakon yang bercerita tentang
kekecewaan paska perang, seperti korupsi, oportunisme politis, erosi
ideologi, kemiskinan, Islam dan Komunisme, melalaikan penderitaan korban
perang, dan lain-lain. Tema itu terungkap dalam lakon-lakon seperti
Awal dan Mira (1952),
Sayang Ada Orang Lain (1953) karya Utuy Tatang Sontani, bahkan lakon adaptasi,
Pakaian dan Kepalsuan oleh Akhdiat Kartamiharja (1956) berdasarkan
The Man In Grey Suit karya Averchenko dan
Hanya Satu Kali (1956), berdasarkan
Justice karya
John Galsworthy. Utuy Tatang Sontani dipandang sebagai tonggak penting
menandai awal dari maraknya drama realis di Indonesia dengan
lakon-lakonnya yang sering menyiratkan dengan kuat alienasi sebagai ciri
kehidupan moderen. Lakon
Awal dan Mira (1952) tidak hanya terkenal di Indonesia, melainkan sampai ke Malaysia.
Realisme konvensional dan naturalisme tampaknya menjadi pilihan
generasi yang terbiasa dengan teater barat dan dipengaruhi oleh idiom
Hendrik Ibsen dan Anton Chekhov. Kedua seniman teater Barat dengan idiom
realisme konvensional ini menjadi tonggak didirikannya Akademi Teater
Nasional Indonesia (ATNI) pada tahun 1955 oleh Usmar Ismail dan Asrul
Sani. ATNI menggalakkan dan memapankan realisme dengan mementaskan
lakon-lakon terjemahan dari Barat, seperti karya-karya Moliere, Gogol,
dan Chekov. Sedangkan metode pementasan dan pemeranan yang dikembangkan
oleh ATNI adalah Stanislavskian. Menurut Brandon (1997), ATNI inilah
akademi teater modern yang pertama di Asia Tenggara. Alumni Akademi
Teater Nasional yang menjadi aktor dan sutradara antara lain, Teguh
Karya, Wahyu Sihombing, Tatiek Malyati, Pramana Padmadarmaya, Galib
Husein, dan Kasim Achmad. Di Yogyakarta tahun 1955 Harymawan dan Sri
Murtono mendirikan Akademi Seni Drama dan Film Indonesia (ASDRAFI).
Himpunan Seni Budaya Surakarta (HBS) didirikan di Surakarta.
- Teater Indonesia Tahun 1970-an
Jim lim mendirikan Studiklub Teater Bandung dan mulai mengadakan
eksperimen dengan menggabungkan unsur-unsur teater etnis seperti
gamelan, tari topeng Cirebon, longser, dan dagelan dengan teater Barat.
Pada akhir 1950-an JIm Lim mulai dikenal oleh para aktor terbaik dan
para sutradara realisme konvensional. Karya penyutradaraanya, yaitu
Awal dan Mira (Utuy T. Sontani) dan
Paman Vanya (Anton Chekhov). Bermain dengan akting realistis dalam lakon
The Glass Menagerie (Tennesse William, 1962),
The Bespoke Overcoat (Wolf mankowitz ). Pada tahun 1960, Jim Lim menyutradari
Bung Besar, (Misbach Yusa Biran) dengan gaya longser, teater rakyat Sunda.
Tahun 1962 Jim Lim menggabungkan unsur wayang kulit dan musik dalam karya penyutradaraannya yang berjudul
Pangeran Geusan Ulun (Saini KM., 1961). Mengadaptasi lakon
Hamlet dan diubah judulnya menjadi
Jaka Tumbal (1963/1964). Menyutradarai dengan gaya realistis tetapi isinya absurditas pada lakon
Caligula (Albert Camus, 1945),
Badak-badak (Ionesco, 1960), dan
Biduanita Botak
(Ionesco, 1950). Pada tahun 1967 Jim Lim belajar teater dan menetap di
Paris. Suyatna Anirun, salah satu aktor dan juga teman Jim Lim,
melanjutkan apa yang sudah dilakukan Jim Lim yaitu mencampurkan
unsur-unsur teater Barat dengan teater etnis.
Peristiwa penting dalam usaha membebaskan teater dari batasan
realisme konvensional terjadi pada tahun 1967, Ketika Rendra kembali ke
Indonesia. Rendra mendirikan Bengkel Teater Yogya yang kemudian
menciptakan pertunjukan pendek improvisatoris yang tidak berdasarkan
naskah jadi (
wellmade play) seperti dalam drama-drama realisme.
Akan tetapi, pertunjukan bermula dari improvisasi dan eksplorasi bahasa
tubuh dan bebunyian mulut tertentu atas suatu tema yang diistilahkan
dengan teater mini kata (menggunakan kata seminimal mungkin).
Pertunjukannya misalnya,
Bib Bop dan
Rambate Rate Rata (1967,1968).
Didirikannya pusat kesenian Taman Ismail Marzuki oleh Ali Sadikin,
gubernur DKI jakarta tahun1970, menjadi pemicu meningkatnya aktivitas,
dan kreativitas berteater tidak hanya di Jakarta, tetapi juga di kota
besar seperti Bandung, Surabaya, Yogyakarta, Medan, Padang, Palembang,
Ujung Pandang, dan lain-lain. Taman Ismail Marzuki menerbitkan 67 (enam
puluh tujuh) judul lakon yang ditulis oleh 17 (tujuh belas) pengarang
sandiwara, menyelenggarakan festival pertunjukan secara teratur, juga
lokakarya dan diskusi teater secara umum atau khusus. Tidak hanya
Stanislavsky tetapi nama-nama seperti Brecht, Artaud dan Grotowsky juga
diperbincangkan.
Di Surabaya muncul bentuk pertunjukan teater yang mengacu teater epik
(Brecht) dengan idiom teater rakyat (kentrung dan ludruk) melalui
Basuki Rahmat, Akhudiat, Luthfi Rahman, Hasyim Amir (Bengkel Muda
Surabaya, Teater Lektur, Teater Mlarat Malang). Di Yogyakarta Azwar AN
mendirikan teater Alam. Mohammad Diponegoro dan Syubah Asa mendirikan
Teater Muslim. Di Padang ada Wisran Hadi dengan teater Padang. Di
Makasar, Rahman Arge dan Aspar Patturusi mendirikan Teater Makasar. Lalu
Teater Nasional Medan didirikan oleh Djohan A Nasution dan Burhan
Piliang.
Tokoh-tokoh teater yang muncul tahun 1970-an lainnya adalah, Teguh
Karya (Teater Populer), D. Djajakusuma, Wahyu Sihombing, Pramana
Padmodarmaya (Teater Lembaga), Ikranegara (Teater Saja), Danarto (Teater
Tanpa Penonton), Adi Kurdi (Teater Hitam Putih). Arifin C. Noor (Teater
Kecil) dengan gaya pementasan yang kaya irama dari
blocking,
musik, vokal, tata cahaya, kostum dan verbalisme naskah. Putu Wijaya
(teater Mandiri) dengan ciri penampilan menggunakan kostum yang meriah
dan vokal keras. Menampilkan manusia sebagai gerombolan dan aksi. Fokus
tidak terletak pada aktor tetapi gerombolan yang menciptakan situasi dan
aksi sehingga lebih dikenal sebagai teater teror. N. Riantiarno (Teater
Koma) dengan ciri pertunjukan yang mengutamakan tata artistik glamor.
- Teater Indonesia Tahun 1980 – 1990-an
Tahun 1980-1990-an situasi politik Indonesia kian seragam melalui
pembentukan lembaga-lembaga tunggal di tingkat nasional. Ditiadakannya
kehidupan politik kampus sebagai akibat peristiwa Malari 1974.
Dewan-dewan Mahasiswa ditiadakan. Dalam latar situasi seperti itu lahir
beberapa kelompok teater yang sebagian merupakan produk festival teater.
Di Jakarta dikenal dengan Festival Teater Jakarta (sebelumnya disebut
Festival Teater Remaja). Beberapa jenis festival di Yogyakarta, di
antaranya Festival Seni Pertunjukan Rakyat yang diselenggarakan
Departemen Penerangan Republik Indonesia (1983). Di Surabaya ada
Festival Drama Lima Kota yang digagas oleh Luthfi Rahman, Kholiq Dimyati
dan Mukid F.
Pada saat itu lahirlah kelompok-kelompok teater baru di berbagai kota
di Indonesia. Di Yogyakarta muncul Teater Dynasti, Teater Jeprik,
Teater Tikar, Teater Shima, dan Teater Gandrik. Teater Gandrik menonjol
dengan warna teater yang mengacu kepada roh teater tradisional
kerakyatan dan menyusun berita-berita yang aktual di masyarakat menjadi
bangunan cerita. Lakon yang dipentaskan antra lain,
Pasar Seret, Meh, Kontrang- kantring, Dhemit, Upeti, Sinden, dan
Orde Tabung.
Di Solo (Surakarta) muncul Teater Gapit yang menggunakan bahasa Jawa
dan latar cerita yang meniru lingkungan kehidupan rakyat pinggiran.
Salah satu lakonnya berjudul
Tuk. Di samping Gapit, di Solo ada
juga Teater Gidag-gidig. Di Bandung muncul Teater Bel, Teater
Re-publik, dan Teater Payung Hitam. Di Tegal lahir teater RSPD. Festival
Drama Lima Kota Surabaya memunculkan Teater Pavita, Teater Ragil,
Teater Api, Teater Rajawali, Teater Institut, Teater Tobong, Teater Nol,
Sanggar Suroboyo. Di Semarang muncul Teater Lingkar. Di Medan muncul
Teater Que dan di Palembang muncul Teater Potlot.
Dari Festival Teater Jakarta muncul kelompok teater seperti, Teater
Sae yang berbeda sikap dalam menghadapi naskah yaitu posisinya sejajar
dengan cara-cara pencapaian idiom akting melalui eksplorasi latihan. Ada
pula Teater Luka, Teater Kubur, Teater Bandar Jakarta, Teater Kanvas,
Teater Tetas selain teater Studio Oncor, dan Teater Kami yang lahir di
luar produk festival (Afrizal Malna,1999).
Aktivitas teater terjadi juga di kampus-kampus perguruan tinggi.
Salah satu teater kampus yang menonjol adalah teater Gadjah Mada dari
Universitas Gadjah Mada (UGM) Yogyakarta. Jurusan teater dibuka di
Institut Seni Indonesia (ISI) Yogyakarta pada tahun 1985. ISI menjadi
satu-satunya perguruan tinggi seni yang memiliki program Strata 1 untuk
bidang seni teater pada saat itu. Aktivitas teater kampus mampu
menghidupkan dan membuka kemungkinan baru gagasan-gagasan artistik.
- TEATER TRADISIONAL
Kasim Achmad dalam bukunya
Mengenal Teater Tradisional di Indonesia
(2006) mengatakan, sejarah teater tradisional di Indonesia dimulai
sejak sebelum Zaman Hindu. Pada zaman itu, ada tanda-tanda bahwa
unsur-unsur teater tradisional banyak digunakan untuk mendukung upacara
ritual. Teater tradisional merupakan bagian dari suatu upacara keagamaan
ataupun upacara adat-istiadat dalam tata cara kehidupan masyarakat
kita. Pada saat itu, yang disebut “teater”, sebenarnya baru merupakan
unsur-unsur teater, dan belum merupakan suatu bentuk kesatuan teater
yang utuh. Setelah melepaskan diri dari kaitan upacara, unsur-unsur
teater tersebut membentuk suatu seni pertunjukan yang lahir dari
spontanitas rakyat dalam masyarakat lingkungannya.
Proses terjadinya atau munculnya teater tradisional di Indonesia
sangat bervariasi dari satu daerah dengan daerah lainnya. Hal ini
disebabkan oleh unsur-unsur pembentuk teater tradisional itu
berbeda-beda, tergantung kondisi dan sikap budaya masyarakat, sumber dan
tata-cara di mana teater tradisional lahir. Berikut ini disajikan
beberapa bentuk teater tradisional yang ada di daerah-daerah di
Indonesia.
- Wayang
Wayang merupakan suatu bentuk teater tradisional yang sangat tua, dan
dapat ditelusuri bagaimana asal muasalnya. Dalam menelusuri sejak kapan
ada pertunjukan wayang di Jawa, dapat kita temukan berbagai prasasti
pada Zaman Raja Jawa, antara lain pada masa Raja Balitung. Pada masa
pemerintahan Raja Balitung, telah ada petunjuk adanya pertunjukan Wayang
seperti yang terdapat pada Prasasti Balitung dengan tahun 907 Masehi.
Prasasti tersebut mewartakan bahwa pada saat itu telah dikenal adanya
pertunjukan wayang.
Petunjuk semacam itu juga ditemukan dalam sebuah kakawin
Arjunawiwaha karya Mpu Kanwa
, pada
Zaman Raja Airlangga dalam abad ke-11. Oleh karenanya pertunjukan
wayang dianggap kesenian tradisi yang sangat tua. Sedangkan bentuk
wayang pada zaman itu belum jelas tergambar model pementasannya.
Awal mula adanya wayang, yaitu saat Prabu Jayabaya bertakhta di
Mamonang pada tahun 930. Sang Prabu ingin mengabadikan wajah para
leluhurnya dalam bentuk gambar yang kemudian dinamakan Wayang Purwa.
Dalam gambaran itu diinginkan wajah para dewa dan manusia Zaman Purba.
Pada mulanya hanya digambar di dalam
rontal (daun tal). Orang sering menyebutnya daun lontar. Kemudian berkembang menjadi wayang kulit sebagaimana dikenal sekarang.
B. Wayang Wong (wayang orang)
Wayang Wong dalam bahasa Indonesia artinya wayang orang,
yaitu pertunjukan wayang kulit, tetapi dimainkan oleh orang. Wayang wong
adalah bentuk teater tradisional Jawa yang berasal dari Wayang Kulit
yang dipertunjukan dalam bentuk berbeda: dimainkan oleh orang, lengkap
dengan menari dan menyanyi, seperti pada umumnya teater tradisional dan
tidak memakai topeng. Pertunjukan wayang orang terdapat di Jawa Tengah
dan Jawa Timur. Sedangkan di Jawa Barat ada juga pertunjukan wayang
orang (terutama di Cirebon) tetapi tidak begitu populer. Lahirnya Wayang
Orang, dapat diduga dari keinginan para seniman untuk keperluan
pengembangan wujud bentuk Wayang Kulit yang dapat dimainkan oleh orang.
Wayang yang dipertunjukan dengan orang sebagai wujud dari wayang kulit
-hingga tidak muncul dalang yang memainkan, tetapi dapat dilakukan oleh
para pemainnya sendiri. Sedangkan wujud pergelarannya berbentuk drama,
tari dan musik.
Wayang orang dapat dikatakan masuk kelompok seni teater tradisional,
karena tokoh-tokoh dalam cerita dimainkan oleh para pelaku (pemain).
Sang Dalang bertindak sebagai pengatur laku dan tidak muncul dalam
pertunjukan. Di Madura, terdapat pertunjukan wayang orang yang agak
berbeda, karena masih menggunakan topeng dan menggunakan dalang seperti
pada wayang kulit. Sang dalang masih terlihat meskipun tidak seperti
dalam pertunjukan wayang kulit. Sang Dalang ditempatkan dibalik layar
penyekat dengan diberi lubang untuk mengikuti gerak pemain di depan
layar penyekat. Sang Dalang masih mendalang dalam pengertian semua
ucapan pemain dilakukan oleh Sang Dalang karena para pemain memakai
topeng. Para pemain di sini hanya menggerak-gerakan badan atau tangan
untuk mengimbangi ucapan yang dilakukan oleh Sang Dalang. Para pemain
harus pandai menari. Pertunjukan ini di Madura dinamakan topeng dalang
. Semua pemain topeng dalang memakai topeng dan para pemain tidak mengucapkan dialog.
C. Makyong
Makyong merupakan suatu jenis teater tradisional yang bersifat
kerakyatan. Makyong yang paling tua terdapat di pulau Mantang, salah
satu pulau di daerah Riau. Pada mulanya kesenian Makyong berupa tarian
joget atau ronggeng. Dalam perkembangannya kemudian dimainkan dengan
cerita-cerita rakyat, legenda dan juga cerita-cerita kerajaan. Makyong
juga digemari oleh para bangsawan dan sultan-sultan, hingga sering
dipentaskan di istana-istana.
Bentuk teater rakyat makyong tak ubahnya sebagai teater rakyat
umumnya, dipertunjukkan dengan menggunakan media ungkap tarian,
nyanyian, laku, dan dialog dengan membawa cerita-cerita rakyat yang
sangat populer di daerahnya. Cerita-cerita rakyat tersebut bersumber
pada sastra lisan Melayu. Daerah Riau merupakan sumber dari bahasa
Melayu Lama. Ada dugaan bahwa sumber dan akar Makyong berasal dari
daerah Riau, kemudian berkembang dengan baik di daerah lain.
Pementasan makyong selalu diawali dengan bunyi tabuhan yang dipukul
bertalu-talu sebagai tanda bahwa ada pertunjukan makyong dan akan segera
dimulai. Setelah penonton berkumpul, kemudian seorang
pawang (sesepuh dalam kelompok makyong) tampil ke tempat pertunjukan melakukan persyaratan sebelum pertunjukan dimulai yang dinamakan
upacara buang bahasa atau
upacara membuka tanah dan berdoa untuk memohon agar pertunjukan dapat berjalan lancar.
- Randai
Randai merupakan suatu bentuk teater tradisional yang bersifat
kerakyatan yang terdapat di daerah Minangkabau, Sumatera Barat. Sampai
saat ini, randai masih hidup dan bahkan berkembang serta masih digemari
oleh masyarakatnya, terutama di daerah pedesaan atau di kampung-kampung.
Teater tradisional di Minangkabau bertolak dari sastra lisan. begitu
juga Randai bertolak dari sastra lisan yang disebut “kaba” (dapat
diartikan sebagai cerita).
Bakaba artinya bercerita.
Ada dua unsur pokok yang menjadi dasar Randai, yaitu.
- Pertama, unsur penceritaan. Cerita yang disajikan adalah kaba, dan
disampaikan lewat gurindam, dendang dan lagu. Sering diiringi oleh alat
musik tradisional Minang, yaitu salung, rebab, bansi, rebana atau yang
lainnya, dan juga lewat dialog.
- Kedua, unsur laku dan gerak, atau tari, yang dibawakan melalui galombang.
Gerak tari yang digunakan bertolak dari gerak-gerak silat tradisi
Minangkabau, dengan berbagai variasinya dalam kaitannya dengan gaya
silat di masing-masing daerah.
- Mamanda
Daerah Kalimantan Selatan mempunyai cukup banyak jenis kesenian
antara lain yang paling populer adalah Mamanda, yang merupakan teater
tradisional yang bersifat kerakyatan, yang orang sering menyebutnya
sebagai teater rakyat. Pada tahun 1897 datang ke Banjarmasin suatu
rombongan Abdoel Moeloek dari Malaka yang lebih dikenal dengan Komidi
Indra Bangsawan. Pengaruh Komidi Bangsawan ini sangat besar terhadap
perkembangan teater tradisional di Kalimantan Selatan. Sebelum Mamanda
lahir, telah ada suatu bentuk teater rakyat yang dinamakan Bada Moeloek,
atau dari kata Ba Abdoel Moeloek. Nama teater tersebut berasal dari
judul cerita yaitu Abdoel Moeloek karangan Saleha.
- Lenong
Lenong merupakan teater rakyat Betawi. Apa yang disebut teater
tradisional yang ada pada saat ini, sudah sangat berbeda dan jauh
berkembang sesuai dengan perkembangan masyarakat lingkungannya,
dibandingkan dengan lenong di zaman dahulu. Kata daerah Betawi, dan
bukan Jakarta, menunjukan bahwa yang dibicarakan adalah teater masa
lampau. Pada saat itu, di Jakarta, yang masih bernama Betawi (orang
Belanda menyebutnya:
Batavia) terdapat empat jenis teater
tradisional yang disebut topeng Betawi, lenong, topeng blantek, dan
jipeng atau jinong. Pada kenyataannya keempat teater rakyat tersebut
banyak persamaannya. Perbedaan umumnya hanya pada cerita yang
dihidangkan dan musik pengiringnya.
- Longser
Longser merupakan jenis teater tradisional yang bersifat kerakyatan
dan terdapat di Jawa Barat, termasuk kelompok etnik Sunda. Ada beberapa
jenis teater rakyat di daerah etnik Sunda serupa dengan longser, yaitu
banjet. Ada lagi di daerah (terutama, di Banten), yang dinamakan ubrug.
Ada pendapat yang mengatakan bahwa longser berasal dari kata
melong (melihat) dan
seredet
(tergugah). Artinya barang siapa melihat (menonton) pertunjukan,
hatinya akan tergugah. Pertunjukan longser sama dengan pertunjukan
kesenian rakyat yang lain, yang bersifat hiburan sederhana, sesuai
dengan sifat kerakyatan, gembira dan jenaka. Sebelum longser lahir, ada
beberapa kesenian yang sejenis dengan Longser, yaitu lengger. Ada lagi
yang serupa, dengan penekanan pada tari, disebut ogel atau doger.
- Ubrug
Ubrug merupakan teater tradisional bersifat kerakyatan yang terdapat
di daerah Banten. Ubrug menggunakan bahasa daerah Sunda, campur Jawa dan
Melayu, serupa dengan topeng banjet yang terdapat di daerah Karawang.
Ubrug dapat dipentaskan di mana saja, seperti halnya teater rakyat
lainnya. Dipentaskan bukan saja untuk hiburan, tetapi juga untuk
memeriahkan suatu “hajatan”, atau meramaikan suatu “perayaan”. Untuk apa
saja, yang dilakukan masyarakat, ubrug dapat diundang tampil.
Cerita-cerita yang dipentaskan terutama cerita rakyat, sesekali
dongeng atau cerita sejarah Beberapa cerita yang sering dimainkan ialah
Dalem Boncel, Jejaka Pecak,
Si Pitung atau
Si Jampang
(pahlawan rakyat setempat, seperti juga di Betawi). Gaya penyajian
cerita umumnya dilakukan seperti pada teater rakyat, menggunakan gaya
humor (
banyolan), dan sangat karikatural sehingga selalu mencuri perhatian para penonton.
- Ketoprak
Ketoprak merupakan teater rakyat yang paling populer, terutama di
daerah Yogyakarta dan daerah Jawa Tengah. Namun di Jawa Timur pun dapat
ditemukan ketoprak. Di daerah-daerah tersebut ketoprak merupakan
kesenian rakyat yang menyatu dalam kehidupan mereka dan mengalahkan
kesenian rakyat lainnya seperti srandul dan emprak.
Pada mulanya ketoprak merupakan permainan orang-orang desa yang
sedang menghibur diri dengan menabuh lesung pada waktu bulan purnama,
yang disebut
gejogan. Dalam perkembangannya menjadi suatu
bentuk teater rakyat yang lengkap. Ketoprak merupakan salah satu bentuk
teater rakyat yang sangat memperhatikan bahasa yang digunakan. Bahasa
sangat memperoleh perhatian, meskipun yang digunakan bahasa Jawa, namun
harus diperhitungkan masalah
unggah-ungguh bahasa. Dalam bahasa Jawa terdapat tingkat-tingkat bahasa yang digunakan, yaitu:
- Bahasa Jawa biasa (sehari-hari)
- Bahasa Jawa kromo (untuk yang lebih tinggi)
- Bahasa Jawa kromo inggil (yaitu untuk tingkat yang tertinggi)
Menggunakan bahasa dalam ketoprak, yang diperhatikan bukan saja
penggunaan tingkat-tingkat bahasa, tetapi juga kehalusan bahasa. Karena
itu muncul yang disebut bahasa ketoprak, bahasa Jawa dengan bahasa yang
halus dan spesifik.
- Ludruk
Ludruk merupakan teater tradisional yang bersifat kerakyatan di
daerah Jawa Timur, berasal dari daerah Jombang. Bahasa yang digunakan
adalah bahasa Jawa dengan dialek
Jawa Timuran. Dalam
perkembangannya ludruk menyebar ke daerah-daerah sebelah barat seperti
karesidenan Madiun, Kediri, dan sampai ke Jawa Tengah. Ciri-ciri bahasa
dialek Jawa Timuran tetap terbawa meskipun semakin ke barat makin luntur
menjadi bahasa Jawa setempat. Peralatan musik daerah yang digunakan,
ialah kendang, cimplung, jidor dan gambang dan sering ditambah
tergantung pada kemampuan grup yang memainkan ludruk tersebut. Dan
lagu-lagu (gending) yang digunakan, yaitu
Parianyar, Beskalan, Kaloagan, Jula-juli, Samirah, Junian.
Pemain ludruk semuanya adalah pria. Untuk peran wanitapun dimainkan
oleh pria. Hal ini merupakan ciri khusus ludruk. Padahal sebenarnya
hampir seluruh teater rakyat di berbagai tempat, pemainnya selalu pria
(randai, dulmuluk, mamanda, ketoprak), karena pada zaman itu wanita
tidak diperkenankan muncul di depan umum.
- Gambuh
Gambuh merupakan teater tradisional yang paling tua di Bali dan
diperkirakan berasal dari abad ke-16. Bahasa yang dipergunakan adalah
bahasa Bali kuno dan terasa sangat sukar dipahami oleh orang Bali
sekarang. Tariannya pun terasa sangat sulit karena merupakan tarian
klasik yang bermutu tinggi. Oleh karena itu tidaklah mengherankan kalau
gambuh merupakan sumber dari tari-tarian Bali yang ada. Sejarah gambuh
telah dikenal sejak abad ke-14 di Zaman Majapahit dan kemudian masuk ke
Bali pada akhir Zaman Majapahit. Di Bali, gambuh dipelihara di istana
raja-raja.
Kebanyakan lakon yang dimainkan gambuh diambil dari struktur cerita
Panji yang diadopsi ke dalam budaya Bali. Cerita-cerita yang dimainkan
di antaranya adalah
Damarwulan, Ronggolawe, dan
Tantri.
Peran-peran utama menggunakan dialog berbahasa Kawi, sedangkan para
punakawan berbahasa Bali. Sering pula para punakawan menerjemahkan
bahasa Kawi ke dalam bahasa Bali biasa.
Suling dalam gambuh yang suaranya sangat rendah, dimainkan dengan
teknik pengaturan nafas yang sangat sukar, mendapat tempat yang khusus
dalam gamelan yang mengiringi gambuh, yang sering disebut gamelan
“pegambuhan”. Gambuh mengandung kesamaan dengan “opera” pada teater
Barat karena unsur musik dan menyanyi mendominasi pertunjukan. Oleh
karena itu para penari harus dapat menyanyi. Pusat kendali gamelan
dilakukan oleh
juru tandak, yang duduk di tengah gamelan dan
berfungsi sebagai penghubung antara penari dan musik. Selain dua atau
empat suling, melodi pegambuhan dimainkan dengan rebab bersama seruling.
Peran yang paling penting dalam gamelan adalah pemain kendang lanang
atau disebut juga kendang pemimpin. Dia memberi aba-aba pada penari dan
penabuh.
- Arja
Arja merupakan jenis teater tradisional yang bersifat kerakyatan, dan
terdapat di Bali. Seperti bentuk teater tradisi Bali lainnya, arja
merupakan bentuk teater yang penekanannya pada tari dan nyanyi. Semacam
gending yang terdapat di daerah Jawa Barat (Sunda), dengan porsi yang
lebih banyak diberikan pada bentuk nyanyian (tembang). Apabila
ditelusuri, arja bersumber dari gambuh yang disederhanakan unsur-unsur
tarinya, karena ditekankan pada tembangnya. Tembang (nyanyian) yang
digunakan memakai bahasa Jawa Tengahan dan bahasa Bali halus yang
disusun dalam tembang macapat.
- TEATER TRADISIONAL MADURA
- Wayang Kulit
Pasangan Brandts Buys-van Zijp (1928: 4-5) mencatat bahwa orang
Madura jauh lebih menyukai pertunjukan topeng daripada pertunjukan
wayang kulit. Hal itu sangat berbeda dari apa yang terjadi di Jawa Timur
terutamanya. Demikian pula Pigeaud menulis (1938: 148): “Budaya Jawa
kuno yang disertai ‘budaya pewayangan’ seperti yang dijumpai di Jawa
Tengah tidak pernah berakar dalam di lingkungan budaya Sunda dan
Madura”.
- Pengaruh Budaya
Wayang kulit mungkin dibawa ke Madura oleh kaum bangsawan. Banyak
diantara para bangsawan Madura berkerabat dengan bangsawan Jawa Tengah,
dan amat meminati segala jenis seni Jawa yang juga merupakan sumber
prestise. Dengan demikian, sedikit demi sedikit berkembanglah suatu
ragam pewayangan Madura, yang berada di antara ragam Jawa dan ragam
Bali.
Dengan merosotnya keraton‑keraton Madura secara bertahap pada akhir
abad ke‑19, nampaknya kesenian dari keraton ini tidak diambil alih oleh
masyarakat perdesaan yang memang tidak memiliki tradisi pendukung.
Itulah sebabnya, wayang kulit Madura kini hampir hilang sama sekali. Ada
kemungkinan bahwa pada masa lalu wayang kulit hadir bersamaan dengan
wayang topeng, seperti yang terjadi di Jawa.
Wayang kulit mungkin telah berkembang secara khusus di lingkungan
keraton dan keluarga bangsawan, sedangkan wayang topeng dipertunjukkan
baik di kalangan keraton maupun di lingkungan pedesaan, di dalam bentuk
yang kadang-kadang berbeda, suatu keadaan yang melindunginya dari
kepunahan total.
- Pagelaran wayang kulit Madura
Pertunjukan wayang madura memiliki banyak ciri khas dan sangat
berbeda dari jenis wayang kulit yang kini dipergelarkan di Jawa dan
Bali.
Dhalang duduk di atas sebuah
lencak (tempat
tidur rendah dari kayu dan bambu) yang ditempatkan di dalam sebuah ruang
kecil tertutup di tiga sisi, kecuali di depan, dan dengan sebuah plafon
dari terob. Segi keempat yang menghadap ke penonton ditutup bagian
bawahnya dengan layar yang menyembunyikan sang
dhalang. hanya
bagian atasnya yang terbuka untuk permainan boneka wayang. Hiasan‑hiasan
berupa layar, ukiran, dan tiang keemasan membingkai tempat panggung
bersegi empat itu.
Boneka wayang, terbuat dari kulit berukir, langsung dimainkan tanpa
layar dan bayangan, seperti memainkan boneka berbentuk patung. Sebuah
bola lampu besar tergantung di plafon dan menerangi
dhalang serta bonekanya. Seorang
sinden duduk berdekatan dengan
dhalang. Gamelan berada di luar, di sisi luar ruang
dhalang, tepat di depan penonton.
Tata ruang semacam itu tidak memungkinkan
dhalang untuk mernberi isyarat langsung kepada gamelannya, seperti yang lazim dilakukan pada pertunjukan wayang lain. Oleh karena itu,
dhalang menggunakan
larnpu beraneka warna (dua putih, satu hijau, satu kuning dan satu
merah) yang ditempatkan di kaki kotaknya, di depan orkes, agar dapat
mernberikan perintah mengenai tempo, kornposisi, dan sebagainya, dengan
menggunakan isyarat yang telah ditentukan sebelumnya.
Sebagai perbandingan, tata letak wayang kulit Jawa dan Bali adalah sebagai berikut: orkes, seorang pesinden atau lebih, dan
dhalang sernua berada di sisi yang sama dengan layar; penonton berada di kedua sisi, dapat di sisi
dhalang atau di sisi wayang, tergantung pada kebiasaan setempat. Dengan demikian,
dhalang dapat mernimpin dari dekat semua segi pertunjukan yang serba rumit itu. Perbedaan lain: yang memukul lernpengan‑lempengan logam
kepprak, untuk
mernberi tekanan pada adegan kekerasan atau percakapan seru, serta
untuk mempercepat tempo, adalah seorang anak laki‑laki yang duduk dekat
dhalangnya, sedangkan di Jawa dan Bali dhalanglah yang melakukannya.
Adapun wayang agaknya dibuat supaya dapat dilihat dan digerakkan
tanpa bayangan karena ukirannya sederhana dan warnanya agak mencolok.
Perangkat wayang relatif masih baru dan gayanya mirip wayang dari Bali.
Kayon atau gunungannya terdiri dari tiga unit dan bukan satu seperti di
dalam wayang kulit klasik. Cerita yang dimainkan berjudul Aji Pancasona
dengan tokoh dari kisah
Mahabharata dan dimainkan dengan bahasa Madura tidak mengikuti pola biasa dan tampak sebagai kreasi bebas dari
dhalang
- Topeng Dhalang
Pertunjukan
topeng sebagai genre kesenian mandiri, yaitu
pertunjukan musikal dengan topeng clan tarian, disutradarai hanya oleh
seorang pencerita, yakni
dhalang. Oleh karena itu, pertunjukan topeng sering disebut
topeng dhalang, untuk membedakannya dari pertunjukan topeng lain yang tidak menggunakan
dhalang. Kadang‑kadang
ada pelawak bertopeng setengah muka turut berbicara‑karena mulut mereka
bebas‑tetapi sernua tokoh lain diwakili oleh suara
dhalang, seperti di dalarn pertunjukan wayang kulit (itulah sebabnya pertunjukan topeng ini disebut juga wayang topeng).
- Panggung Pertunjukan
Dhalang duduk bersila di antara pemusik gamelan dan tidak
terlihat oleh penonton karena disekat oleh kain yang dicat. Dialah yang
menuntun penari topeng yang sedang berpentas di sebelah kain itu, di
depan penonton. Para penari itu memberikan raga yang hidup, walaupun
bertopeng, kepada suara
dhalang yang berubah‑ubah dan mereka bergerak dengan memberi kesan bahwa mereka adalah boneka wayang yang hidup.
Pada kain penyekat dibuat beberapa lubang pada ketinggian yang cocok supaya
dhalang dapat
mengikuti pernentasan yang berlangsung dibelakang kain. Jarang
disediakan panggung tinggi; pada umumnya para penari atau pemain bermain
di lantai, pada ketinggian yang sama dengan penonton yang mengitari
panggung di tiga sisinya. Sisi keempat adalah tirai latar belakang yang
menyembunyikan
dhalang, orkes, dan tempat persiapan penari.
Rombongan biasa terdiri dari dua puluh sampai empat puluh anggota,
termasuk pernain musik, pernain‑penari dan juru teknik. Rombongan itu
tidaklah terdiri dari pemain profesional, tetapi menggabungkan petani,
tukang, pedagang kecil, karyawan yang mencari tambahan nafkah, terutama
pada musim kemarau. Hanya beberapa
dhalang terkenal dapat dianggap sebagai semiprofesional.
- Lakon atau Cerita pada pertunjukan Topeng Dhalang
Dhalang menggunakan sernua tingkatan bahasa Madura dan Jawa,
bahkan dengan sedikit menggunakan bahasa Indonesia pula. Di daerah
Sumenep kebanyakan lakon yang dimainkan mengangkat dari adegan
wiracerita
Ramayana dan
Mahabharata. Adegan itu disesuaikan oleh setiap
dhalang yang kerap pula menciptakan adegan baru berdasarkan cerita rakyat yang demikian luas itu.
Beberapa lakon yang diainkan pada pementasan topeng Dhalang diantaranya;
Arjuna Kembhar, Romo Gandrung, Gatotkaca Palsu, Romo Panganten, Pandhaba Uma, Kresna Toron, Sumbodro Tondhung, Prabu Dosomoko, dsb. Salah satu rombongan dari Dasok selain mengambil lakonnya dari
Ramayana dan
Mahabharata, juga merujuk kepada cerita Panji, atau menggabungkan adegan dari beberapa cerita rakyat (misalnya
Panji Jaeng Kusumo, nama.
tokohnya). Rombongan itu juga mengangkat banyak cerita yang dianggap
kuno yang konon diturunkan dari leluhur dan disimpan di dalam buku yang
terbuat dari kulit kayu:
Polo Salaka (Pulau Perak),
Polo Mas (Pulau Mas),
Tase’ Beddhi (Lautan Pasir),
Kole’Pesse (Kulit Besi).
Meskipun
topeng Panji dikenal populer di daerah Jawa Timur
dan Pamekasan, topeng‑topeng daerah Sumenep lebih sering mengambil gaya
Panji (dari wayang gedog) daripada gaya Purwo (dari
wayang purwa yang mengangkat cerita
Ramayana dan
Mahabharata).
Untuk ritus‑ritus tertentu, yaitu
rokat pandhaba, rombongan topeng mementaskan cerita khusus.
Rokat adalah upacara yang berfungsi mencegah bahaya yang menghantui sebuah rumah, seseorang, atau suatu masyarakat.
Rokat pandhaba (berasal dari Lima Pandawa dalarn teks
Mahabharata) dilaksanakan
khusus untuk orang yang dianggap mengidap bala karena kelahirannya:
beberapa konfigurasi dalam hubungan persaudaraan dianggap pembawa sial
untuk kakak/adik yang bersangkutan, dan sial itu harus dienyahkan
melalui ritus yang sesuai, yaitu
rokat pandhaba. Hanya sebuah cerita yang dipentaskan selama ritus ini:
rokat Bhatara Kala yang dipentaskan seusai pertunjukan topeng biasa, apa pun lakon yang dipilih untuk yang terakhir ini menjelang mata hari terbit.
Rombongan
topeng biasanya dipanggil untuk berpentas pada perayaan perkawinan atau
rokat atau
hajhat, yaitu
upacara hajatan pribadi yang bersifat ritual atau untuk membayar nadar?
Pada umumnya tuan rumahlah yang memesan lakon yang diinginkan.
Kadang‑kadang rombongan mementaskan lakon pendek sebelum atau sesudah
pertunjukan pokok pada malam hari, pada tengah hari jika rombongan itu
disewa untuk acara perkawinan yang lama sekali, dan bukan untuk satu
malam saja (dari pukul 21.00 malam sampai terbitnya matahari).
- Jenis Topeng Madura
Topeng Madura terpasang berkat dua tali yang diselipkan ke belakang kepala. Sistem topeng
cokotan Jawa,
dengan pernain menggigit lidah kayu atau kulit yang ada di bagian dalam
topeng, jarang digunakan. Topeng Madura lebih kecil daripada topeng
Jawa. Tingginya dari 12 sampai 16 cm, dan lebarnya 15 sampai 21 cm
(menurut Soelarto, 1977: 111). Dewasa ini semua topeng terbuat dari
kayu, pada umumnya kayu dadap.
Semua pertunjukan topeng tanpa perkecualian (dari
ta‑bhutaan sampai
ke topeng sendiri) dimainkan oleh pernain laki‑laki saja. Yang paling
muda dengan berdandan ala waria, dapat memainkan peran perempuan.
Garis dapat juga kalian gunakan untuk mengomunikasikan gagasan dan mengekspresikan diri. Garis tebal tegak lurus misalnya, dapat memberi kesan kuat dan tegas, sedangkan garis tipis melengkung, memberi kesan lemah dan ringkih. Karakter garis yang dihasilkan oleh alat yang berbeda akan menghasilkan karakter yang berbeda pula. Coba bandingkan karakter garis yang dihasilkan oleh jejak spidol pada kertas dan jejak arang pada kertas. Bandingkan pula jejak garis yang dibuat dengan ballpoint dan pensil. Buatlah berbagai bentuk garis, kemudian cobalah untuk merasakan kesan dari garisgaris yang kalian buat tersebut.2. Raut (Bidang dan Bentuk)Unsur rupa lainnya adalah “raut” yang merupakan tampak, potongan atau wujud dari suatu objek. Istilah ”bidang” umumnya digunakan untuk menunjuk wujud benda yang cenderung pipih atau datar sedangkan ”bangun” atau ”bentuk” lebih menunjukkan kepada wujud benda yang memiliki volume (mass). Perhatikan gambar di samping dan di bawah ini. Tunjukkanlah mana unsur ”bidang” dan mana unsur ”bentuk” atau ”bangun”. Bagaimana kalian membedakan wujud ”bangun” dan ”bangun” atau ”bentuk” dalam sebuah karya seni rupa 2 dimensi?
3. RuangUnsur ruang dalam sebuah karya seni rupa 2 dimensi menunjukan kesan dimensi dari obyek yang terdapat pada karya seni rupa tersebut. Pada karya dua dimensi kesan ruang dapat dihadirkan dalam karya dengan pengolahan unsurunsur kerupaan lainnya seperti perbedaan intensitas warna, teranggelap, atau menggunakan teknik menggambar perspektif untuk menciptakan ruang semu (khayal).
4. TeksturTekstur atau barik adalah unsur rupa yang menunjukan kualitas taktis dari suatu permukaan atau penggambaran struktur permukaan suatu objek pada karya seni rupa. Berdasarkan wujudnya, tekstur dapat dibedakan atas tekstur asli dan tekstur buatan. Tekstur asli adalah perbedaan ketinggian permukaan objek yang nyata dan dapat diraba, sedangkan tekstur buatan adalah kesan permukaan objek yang timbul pada suatu bidang karena pengolahan unsur garis, warna, ruang, dan terang-gelap.
5. WarnaWarna adalah unsur rupa yang paling menarik perhatian. Menurut teori warna Brewster, semua warna yang ada berasal dari tiga warna pokok (primer) yaitu merah, kuning dan biru. Dalam berkarya seni rupa terdapat beberapa teknik penggunaan warna, yaitu secara harmonis, heraldis, murni, monokromatik dan polikromatik. Cobalah kalian mencari informasi tentang teknik-teknik penggunaan warna tersebut. Perhatikan gambar-gambar karya seni rupa di samping ini, gambar manakah yang menunjukkan penggunaan warna secara harmonis, heraldis, murni, monokromatik dan polikromatik. Cara penggunaan warna yang bagaimana yang paling kalian sukai? Jelaskan alasan kalian!
6. Gelap-TerangUnsur gelap terang pada karya seni rupa timbul karena adanya perbedaan intensitas cahaya yang jatuh pada permukaan benda. Perbedaan ini menyebabkan munculnya tingkat nada warna (value) yang berbeda. Bagian yang terkena cahaya akan lebih terang dan bagian yang kurang atau terkena cahaya akan tampak lebih gelap Perhatikan obyek gambar karya seni rupa 2 dimensi di atas ini yang menggunakan unsur gelap-terang dan yang tidak menggunakan unsur gelap terang. Kesan apa yang kalian lihat dan rasakan pada masing-masing obyek gambar tersebut.
Penataan unsur-unsur visual pada sebuah karya seni rupa menggunakan prinsip-prinsip dasar berupa kaidah atau aturan baku yang diyakini oleh seniman dan perupa pada umumnya dapat membentuk sebuah karya seni yang baik dan indah. Kaidah atau aturan baku ini disebut komposisi, berasal dari bahasa latin compositio yang artinya menyusun atau menggabungkan menjadi satu. Komposisi dapat mencakup beberapa prinsip penataan seperti: kesatuan (unity); keseimbangan (balance) dan irama (rhythm), penekanan, proporsi dan keselarasan. Prinsip-prinsip dasar ini merupakan unsur non fisik dari karya seni rupa.
Penataan unsur-unsur rupa ini dilakukan menggunakan berbagai teknik dan bahan pada berbagai medium membentuk obyek-obyek yang unik pada karya seni rupa 2 dimensi. Bagaimana cara menyusun unsur-unsur tersebut? Coba perhatikan karya seni rupa dua dimensi yang ada disekitar kalian. Amati bagaimana unsur-unsur rupa tersusun dalam karya seni rupa 2 dimensi tersebut.
2. Alat BerkaryaSeni Rupa Alat untuk berkarya seni rupa sangat banyak jenis dan ragamnya. Beberapa karya seni rupa bahkan memiliki peralatan khusus yang tidak dipergunakan pada jenis karya lainnya. Tetapi ada juga alat atau bahan yang dipergunakan hampir disemua proses berkarya seni rupa. Alat-alat tulis (gambar) misalnya, adalah peralatan yang digunakan dalam proses pembuatan hampir seluruh jenis karya seni rupa, terutama saat membuat rancangan karya seni tersebut.Dalam berkarya seni rupa dua dimensi setidaknya dikenal beberapa kategori alat utama untuk berkarya yaitu alat untuk membentuk, menggambar dan mewarnai serta alat mencetak (mendupilkasi). Seperti juga bahan, selain kategori alat utama tersebut, kita juga mengenal alat-alat bantu lainnya yaitu alat-alat yang peruntukannya tidak secara khusus untuk kegiatan berkarya seni rupa tetapi sangat diperlukan dalam kegiatan berkarya seni rupa seperti: alat pemotong (pisau dan gunting), alat pengering, alat pengukur dan sebagainya. Alat-alat ini bersifat penunjang untuk memudahkan atau melancarkan proses pembuatan karya.Karena kemajuan teknologi, saat ini semua fungsi alat yang dipergunakan dalam berkarya seni rupa relatif dapat dilakukan oleh komputer. Walaupun demikian perlu disadari betul bahwa komputer hanyalah alat bantu. Karya seni bagaimanapun juga membutuhkan kepekaan rasa yang sulit dihasilkan oleh program komputer. Kepekaan rasa adalah kompetensi unik dan khas yang hanya dimilki manusia, berbeda antara satu orang dengan orang lainnya.
3. Teknik Berkarya Seni RupaDalam membuat karya seni rupa murni atau terapan dibutuhkan keterampilan teknis menggunakan alat dan mengolah bahan untuk mewujudkan objek pada bidang garap. Sebagai contoh, untuk mewujudkan sebuah objek dalam karya lukisan, seorang perupa atau seniman lukis dituntut menguasai keterampilan teknis menggunakan alat (kuas) dan mengolah bahan (cat) pada kanvas (medium). Seorang pematung dituntut menguasai keterampilan teknis menggunakan alat memahat dan mengolah bahan kayu untuk mewujudkan karya seni patung.Karya seni rupa ada juga yang dinamai berdasarkan teknik utama yang digunakan dalam pembuatannya. Seni kriya Batik misalnya, menunjukkan jenis karya seni rupa yang dibuat dengan teknik membatik, begitu pula Seni kriya anyam, untuk menamai jenis karya seni rupa yang dibuat dengan teknik menganyam.Beragam jenis dan karakteristik bahan yang digunakan dalam berkarya seni rupa memerlukan beragam alat dan teknik untuk mengolahnya. Suatu teknik berkarya seni rupa mungkin saja secara khusus digunakan sebagai teknik utama dalam mewujudkan satu jenis karya seni rupa tetapi mungkin juga digunakan untuk mewujudkan jenis karya seni rupa lainnya.
F. Proses Berkarya Seni RupaKarya seni rupa dua dimensi tidak tercipta dengan sendirinya. Pembuatan karya seni rupa dua dimensi dilakukan melalui sebuah proses secara bertahap. Tahapan dalam berkarya ini berbeda antara satu jenis karya dengan jenis karya lainnya mengikuti karakteiristik bahan, teknik, alat dan medium yang digunakan untuk mewujudkan karya seni rupa tersebut.Tahapan dalam berkarya seni rupa dua dimensi ini dimulai dari adanya motivasi untuk berkarya. Motivasi ini dapat berasal dari dalam diri maupun dari luar diri perupanya. Benda-benda kecil atau hal-hal sederhana dalam kehidupan kita sehari-hari dapat menjadi ide untuk berkarya seni rupa dua dimensi. Cobalah perhatikan benda-benda dan peristiwa sehari-hari di sekitar kalian kemudian kembangkan hasil pengamatan kalian menjadi gagasan berkarya seni rupa. Pilihlah bahan, media, alat dan teknik yang kalian kuasai atau ingin kalian coba dan mulailah berkreasi menciptakan karya seni rupa.Perhatikan karya seni rupa dua dimensi jenis gambar karikatur berikut ini ceritakan kembali langkah-langkah dalam proses berkarya seni rupa dua dimensi yang ditunjukan oleh gambar karikatur tersebut.G. Tokoh Seni rupa 2 dimensi1. Raden Saleh Sjarif Boestaman
dilahirkan di Salatiga, pada tanggal 2 Juli 1932. Pematung yang satu ini terkenal dengan karya-karyanya yang dapat dijumpai di berbagai kota di Indonesia.Edhi Sunarso adalah pematung beberapa monumen dan diorama sejarah. Diantaranya adalah patung Monumen selamat datang di Bundaran Hotel Indonesia dan Diorama Sejarah Monumen Nasional di Jakarta. Edhi Sunarso mendapat penghargaan dari pemerintah dengan dianugerahi Tanda Kehormatan Bintang Budaya Parama Dharma atas karya-karyanya.Selain itu, Edhi Sunarso juga berkiprah di dunia Pendidikan. Sejak 1958 - 1959 ia sudah aktif sebagai staf pengajar pada Akademi Kesenian Surakarta. Ia mengajar pada (STSRI) Sekolah Tinggi Seni Rupa Indonesia ASRI Yogyakarta sebagai ketua jurusan Seni Patung. Pada 1967-1981 sebagai tenaga pengajar di (IKIP) Institut Kejuruan Ilmu Pendidikan Negeri Yogyakarta, pada tahun 1968-1984 sebagai pengajar merangkap asisten Ketua Bidang Akademik STSRI/ ISI Yogyakarta, dan sebagai pengajar pada (ISI) Institut Seni Indonesia dan sebagai Sekretaris Senat.
